Ellen Taaffe Zwilich. Innovar… ¿renovar el lenguaje o el uso que se le da al mismo?

Hoy en día, ¿en qué consiste innovar? ¿Usar un lenguaje fuera de lo tonal, lo tradicional, incluso fuera de lo diatónico? ¿Usar nuevos timbres de instrumentos tradicionales o de instrumentos de reciente creación? En la época de pluralidad creativa en la que nos encontramos, cada uno encuentra su camino artístico de una forma distinta, dándole unas implicaciones diferentes a este término. Para algunos compositores, todos estos aspectos son la superficie de la música, y buscan abrir nuevos caminos desde su interior y su significado más profundo. Tal es el caso de Ellen Taaffe Zwilich, que comienza su andanza compositiva en la nueva vanguardia americana de los años 60 y 70, pero cuya carrera y filosofía como músico pasan por un punto de inflexión que le hará plantearse ciertos aspectos de las nuevas tendencias en composición.

Ellen Taaffe Zwilich (Miami, 20 de abril de 1939), compositora, violinista y pianista. Empezó a componer desde muy pronto, alrededor de los 10 años, música para la banda de su instituto. Posteriormente, estudió en la Universidad Estatal de Florida hasta 1962, cuando se traslada a Nueva York para estudiar violín. Estudiará en la Juillard School, convirtiéndose en 1975 en la primera mujer en obtener el doctorado en composición.

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Imagen: New Music Box

Su música va a ir siendo cada vez interpretada con más frecuencia, y por músicos de gran renombre como Pierre Boulez, quien dirigió su Simposio para orquesta (1973)

En 1982 tuvo lugar el estreno de su Primera Sinfonía, que le dio fama mundial además de convertirse en la primera mujer en recibir el premio Pulitzer. A partir de este momento, Zwilich se pudo permitir vivir exclusivamente de la composición.

Estilo compositivo.

Sus primeras obras responden a características como melodías ásperas, armonías atonales y estructuras de gran complejidad. Algunos ejemplos de este periodo serían la Sonata en tres movimientos o el Cuarteto para cuerda (1974).

Pero alrededor de 1979, tras una serie de circunstancias como la muerte de su marido, violinista para el cuál escribió algunas de sus obras, decide cambiar a una filosofía de composición más en contacto con el público y con el intérprete, a través de un vocabulario más sencillo y audible, con melodías más clásicas y armonías complejas y extensas pero tonales. De esta forma, su estilo se enmarcará dentro del Neoclasicismo y el Neorromanticismo.

Durante este segundo período compositivo, buscará innovar también en otro tipo de aspectos, como por ejemplo, ampliar el repertorio concertístico de instrumentos que tradicionalmente no habían sido tan considerados como otros para el papel solistas en la música orquestal. Así, compone una serie de conciertos para trombón, flauta, oboe, trompa, trompeta…

Zwilich se refiere a nuestra era como la época en la historia en la que mayor acceso tiene el público a la música, “una época que requiere una nueva mirada ante las cosas, y para el compositor, una nueva forma de existencia”, y piensa que, como artista, a veces es necesario ir en contra de lo establecido socialmente.

Evolución a través de algunas de sus obras.

Como ejemplos de composiciones a través de las cuales concluir algunos de los rasgos de la evolución compositiva de Zwilich, hemos seleccionado una obra de ese primer periodo más experimental y atonal, la Sonata en tres movimientos; una obra de 1979, fecha en la que su estilo experimenta un punto de inflexión, la Sinfonía de cámara; una obra posterior a esa fecha, con la que además ganó el premio Pulitzer, su Primera Sinfonía.

Sonata en tres movimientos (1973-74)

Llena de furia y energía, y compuesta para ser estrenada por su propio marido, esta sonata para violín y piano nos muestra a una Ellen Taaffe Zwilich vanguardista e innovadora. Con sus composiciones de esta primera etapa, a menudo se la ha comparado con Alban Berg, en esa expresividad y dramatismo siempre presentes y protagonistas, pero en base a los procedimientos de los años 70.

Una melodía casi infinita y atonal en el violín, que pronto comienza a contraponerse con la del piano, nos crean un camino musical que conduce sin rumbo aparente y que se enriquece de la multitud de recursos tímbricos usados por ambos instrumentos. Sin embargo, fijándonos bien, no hay nada casual en ese camino descrito, meticulosamente elaborado a partir del desarrollo y ampliación de las pequeñas células melódicas presentadas al comienzo, recordando a la música expresionista.

Una armonía complicada va surgiendo, muchas veces no en forma de acordes presentados tal cual, sino a través de notas que van quedando en el aire y acumulándose con otras, formando complejas estructuras de gran cantidad de sonidos.

Sinfonía de cámara (1979)

En esta obra, Zwilich deja atrás las melodías cromáticas que imposibilitan la estabilidad de la obra gracias a un centro tonal claro, para retomar elementos del lenguaje compositivo más clásico: una ordenación diatónica, uso de tríadas…

Calificada por algunos entendidos como una “vuelta atrás”, otros como Larry Starr, especialista en música americana del siglo XX, admite en su reseña sobre esta obra afirmaciones tales como que, para él, la Sinfonía “es una experiencia comunicativa, a pesar de admirar otras composiciones de su primer periodo, como la Sonata en tres movimientos“.

A pesar de esa vuelta a elementos compositivos muy usados, quizá el progreso y la vanguardia no solo haya que buscarlos en los elementos externos y en la primera impresión que provoca una obra, sino en las nuevas capacidades comunicativas y evocadoras que su compositora, en este caso, ha sido capaz de conseguir con ella, en un intento de acercarse más al público general.

La propia compositora habla de la Sinfonía de cámara como una obra clave en su repertorio. Comenzó a escribirla antes de la muerte de su marido, y la concluyó después, pero ya entonces algo había cambiado. Su perspectiva como compositora le pedía hacer algo distinto. De repente tenía mucho que contar, “quería decir algo, musicalmente, sobre la vida”

Sinfonía nº1 (1982-83)

Compuesta pensando en la gran orquesta contemporánea, aprovechando todos los recursos tímbricos con los que cuenta para hacer de la obra una gran paleta de color. El material temático principal, presentado en los primeros compases, tiene su origen, según la propia compositora, en su propia “inspiración”, es decir, no está elaborado bajo ningún procedimiento estricto. Tras la génesis de este material temático, sin embargo, el procedimiento para elaborar la obra completa a partir de él es complejo y cuidado hasta el más mínimo detalle. Bajo formas en apariencia clásicas, se impone un innovador uso de la orquesta, con solos de vibráfono o de tuba, así como sonoridades armónicamente muy complejas y contemporáneas. También, el desarrollo del material es inesperado: el oyente no sabe hacia dónde lo va a conducir. Se exploran los límites de la tonalidad de formas nuevas, pero sin llegar a sobrepasarlos.

Zwilich combina procedimientos compositivos tradicionales con los actuales, visible por ejemplo en su forma de desarrollar los temas. Es una compositora que siempre ha dicho que pretende conectar con el público, y que siente que estamos en una era en la que la música académica está fuertemente desligada de la sociedad, que la mayoría de las personas creen que los compositores de este tipo de música están muertos, y apenas conocen nada de lo que se viene haciendo. Es por eso que pretende volver a conectar, ofreciendo algo que, a la vez que es atrayente por su lenguaje, aporte algo más, nos lleve más allá. En conclusión, se podría decir que la música de Zwilich se sirve del pasado, y lo enlaza con el presente, para así crear un camino hacia el futuro.

Bibliografía.

  • STARR, Larry. “Chamber Symphony by Ellen Taaffe Zwilich; String Quartet by Ellen Taaffe Zwilich; Sonata in Three Movements by Ellen Taaffe Zwilich” Reseña en American Music, Vol. 6, No. 4. Illinois: University of Illinois Press, 1988, pp. 481-482.

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